Leyendas de la guitarra / Eddie Van Halen: el inventor de su Frankenstein hace erupción.

Ficha personal:

Nombre real: Edward Lodewijk Van Halen.

Nacimiento: 26 de enero de 1955.

Edad: 59 años.

Lugar de nacimiento: Nimega, Países Bajos.

Información artística:

Géneros: Hard rock, Heavy metal, Shred, entre otros.

Instrumentos: Voz, Guitarra, Bateria, Bajo, Piano, Teclado y Sintetizador.

Período de actividad: 1967 - presente.

Dato destacado:

 Es considerado por la revista Rolling Stone como el octavo mejor guitarrista de la historia, es famoso por su técnica llamada tapping, siendo uno de los pioneros del hard rock. Su solo de guitarra Eruption es considerado el segundo mejor de la historia.

Biografía:

 Los hermanos Van Halen, Eddie y Alex, nacieron en Holanda y en el año 1967 se trasladaron a California. Ahí, su padre, un músico de Jazz, de nombre Jan Van Halen, los incentivó a que fueran músicos y fueron, durante muchos años, concertistas de piano.

 Sin embargo al crecer fueron cautivados por el Rock & Roll, por lo cual desarrollaron su pasión por este género, lo que los llevó a aprender a tocar nuevos instrumentos. Al principio, Ed tocaba la batería y Alex la guitarra, sin embargo Eddie, en los momentos en los que Alex trabajaba repartiendo periódicos para pagar su batería, tocaba hasta que llegó a ser mejor que él, por lo que se intercambiaron roles, y pronto se podían ver en Eddie influencias de guitarristas de hard rock tales como Jimi Hendrix, Eric Clapton, George Harrison o Jimmy Page.

 Eddie Van Halen es considerado por la crítica musical, como uno de los mayores virtuosos de la guitarra en la historia del rock.

 Para saber más sobre este excepcional guitarrista y sobre la biografía de la banda, entra a este link: http://www.rockpass.blogspot.com.ar/2013/07/van-halen-corriendo-con-el-diablo-entre.html

Las guitarras de Eddie:

 Ed utiliza y ha utilizado guitarras de muchas marcas distintas como Gibson, Fender, Charvel, Kramer, Peavey, MusicMan o Steinberger, aunque es un gran fanático de la personalización de sus guitarras. En los últimos años utilizó un modelo que Peavey fabricaba para él (la famosa Peavey Wolfgang), en 2005 la marca Charvel, hizo una serie que imita las guitarras de Eddie de los años 80´s. 

 En 2007 sale a la venta una réplica de la guitarra Frankenstein con la marca EVH Gear fabricada por Fender.

 A principios de los noventa, en la época del disco F.U.C.K, pasó a ser endorser de Musicman. En concreto, sacaron el modelo "EVH". Posteriormente, cuando dejó de ser endorser de la marca, Musicman decidió seguir con la producción de ese modelo bajo la denominación "Axis". Difería del modelo "EVH" principalmente en dos aspectos, la distinta disposición del selector de pastillas y que el potenciómetro de volumen venía serigrafiado como "volumen" a diferencia de la musicman EVH original que, debido a una gracieta típica de Eddie, venía serigrafiado como "Tone", cuando es una guitarra que no tiene control de tono.

 Actualmente Fender le fabrica el amplificador EVH 5150 III y le comercializa la réplica exacta de la Frankenstein ya mencionada con un valor de US$ 25.000.

 Posee su propia marca "EVH" donde ya ha sacado a la venta varios modelos y variaciones de la guitarra "Wolfgang" y ha presentado tres réplicas de sus guitarras más características (roja blanca y negra, negra y amarilla, blanca y negra) muy similares a las que sacó Charvel en 2005, solo que con un precio bastante inferior, dos modelos de amplificador EVH 5150 III (de 50W y 100W) y varios accesorios como cuerdas, pastillas, etc.

 Además, contribuyó enormemente al desarrollo del sistema Floyd Rose para la afinación de la guitarra, e incluso patentó su propio dispositivo llamado “D-tuner”, que permite afinar la sexta cuerda de la guitarra E (MI) a D (RE) y viceversa en un solo movimiento.

Kenny Wayne Shepherd Band / Born With A Broken Heart (1996)

Leyendas de la guitarra / Steve Vai: al maestro con cariño.

Ficha personal:

Nombre real: Steven Siro Vai.
Nacimiento 6 de junio de 1960.
Edad: 54 años.
Lugar de nacimiento: Carle Place, Nueva York, USA.
Ocupación: guitarrista, compositor, músico.

Información artística:

Géneros: Rock instrumental, Hard rock, Shred, Speed Metal, Metal Progresivo.
Período de actividad: 1978 – presente.

Artistas relacionados: David Lee Roth, Orianthi, Whitesnake, Alcatrazz, Frank Zappa, Mothers of invention, G3, Public Image, Ltd.Ozzy Osbourne, Joe Satriani, Brian May, Allan Holdsworth, Marty Friedman, Jason Becker, entre otros.

Biografía:

 A los 12 años, Steve es atraído por el instrumento que luego iba a ser su profesión: la guitarra. Esto hace que empiece a tomar clases, con Joe Satriani quien tenía 16 años. Es aquí donde empieza la carrera de Vai como guitarrista.

 Después de iniciar su carrera como transcriptor de música para Frank Zappa, Vai grabó y estuvo de gira en la banda de Zappa de 1980 a 1982. Comenzó su carrera como solista en 1983, tiene ocho álbumes en solitario y ha ganado tres premios Grammy. También ha grabado y realizado giras con Public Image Ltd, Alcatrazz, David Lee Roth, y Whitesnake.

 Vai ha sido miembro regular del G3, tour que comenzó en 1995. En 1999, Vai comenzó su propio sello discográfico Favored Nations, con la intención de mostrar como él lo describe, "... a los artistas que han alcanzado el nivel de rendimiento más alto en su instrumentos elegidos".

 Steve Vai conquistó el reconocimiento general trabajando para el legendario músico, productor y compositor Frank Zappa.

 Al principio Vai solo le hacia las transcripciones de sus partes de guitarra. Cumplido sus veinte años Frank le pidió a Vai que se uniera a la banda. Cuenta una anécdota que Steve le dijo: "Frank, yo quiero ser como tú“, a lo que Zappa respondió: “Imposible, eres demasiado joven para ser calvo".

 A principios de los años 1980 abandonó la banda de Zappa y grabó su primer disco como solista, "Flex-Able", y reemplazó a Yngwie J. Malmsteen como guitarra solista en Alcatrazz. Poco tiempo después saca su segundo disco solista "Flex-Able Leftovers" con temas grabados durante la preparación de su primer disco pero finalmente no incluidos. Entonces se unió al antiguo front-man de Van Halen, David Lee Roth para grabar dos álbumes, "Eat them and smile" y "Skyscraper", además de una versión en español del primero titulada "Sonrisa salvaje".

 En 1986 saltó a la pantalla grande apareciendo en el legendario duelo final de la película Crossroads (Cruce de caminos o Encrucijada) del director Walter Hill donde hizo el papel del guitarrista del diablo llamado Jack Butler, enfrentadose a un joven guitarrista virtuoso de la escuela de Julliard en un duelo guitarristico, Ralph Macchio (famoso por su papel en Karate Kid).

Steve Vai con su maestro
 y mentor, Frank Zappa.

 En esta película Vai interactúa interpretando su parte con Ry Cooder que interpreta la parte de Ralph Macchio, y William Kanengiser interpretando las partes de guitarra clásica, incluyendo "Eugene's Trick Bag" compuesta por William Kanengiser la primera mitad de los arpegios y la segunda mitad el mismo Vai, basándose en el Capricho No. 5 de Paganini, el duelo de crossroads fue interpretado en conciertos en vivo junto a Mike Keneally

 Posteriormente tocó para Whitesnake y el mítico cantante David Coverdale en el álbum "Slip of the tongue" (1989) y en 1990 grabó su tercer álbum "Passion and Warfare" obteniendo la atención mundial en su carrera como solista. Por estas fechas gana un Grammy por su participación en el disco tributo a Zappa "Zappa's Universe", por su solo en "Sofa", siendo criticado por varios músicos otorgándole el reconocimiento a Mike Keneally, por su participación en ese disco.

 En 1991 participó junto a Joe Satriani entre otros en el concierto Leyendas de la Guitarra organizado con motivo de la celebración de la Exposición Universal de Sevilla 1992 (Expo´92).

 En 1993 aparece el álbum titulado "Sex & Religion", con una formación nueva, Devin Townsend (voz), Terry Bozzio (batería) y T.M. Stevens (bajo). Deja de lado el estilo solista con una dinámica más de banda. Se trata de un disco mayoritariamente vocal, y en parte polémico por el contenido de sus letras, en las que se refiere al sexo y a la religión.

 En el año 1995 Steve graba un álbum titulado "Alien Love Secrets", del cual, posteriormente presenta una versión en DVD con los vídeos de las canciones que componen este álbum. El disco se compone de siete temas instrumentales, y fue grabado en seis semanas.

 En septiembre de 1996 se edita "Fire Garden". Encarnando una nueva banda y estilo. Un extenso disco de 18 temas, tratándose la primera mitad de temas instrumentales y la segunda incorporando canciones cantadas, y afianzándose Steve en su faceta de cantante.

 También en 1996 participa en la gira llamada G3 junto a Joe Satriani (el organizador) y Eric Johnson, donde le acompaña Mike Keneally en los teclados y guitarra. Se graba un disco en vivo del mismo nombre. "

 Llegando a mitad del año 1999, aparece el disco "The Ultra Zone", en gran parte instrumental, con cinco temas cantados. Se trata de un disco compuesto de trece temas bastante variados.

 En el año 2000, Vai graba su primer disco en vivo, "Alive in an ultra World", presentando canciones que caracterizan los países que el visitó en la gira de "The Ultra Zone".

 Un segundo disco con el G3 y con el virtuoso de la guitarra, Yngwie J. Malmsteen, se graba en el 2003.

 Más adelante, en el 2004, Steve Vai lanza su segundo disco en vivo, "Live In Astoria: London", donde selecciona grabaciones de sus actuaciones en el Astoria en Londres, recopilándolas en este disco. Realizó una vez más con Joe Satriani una gira G3, teniendo en esta oportunidad como invitado al legendario Robert Fripp.

 Su álbum editado en 2005 se titula "Real Illusions: Reflections" y para presentarlo realizó una gira mundial con músicos de gran categoría, como Tony Macalpine (guitarra y teclados), Billy Sheehan (bajo), Jeremy Colson (batería y percusión) y Dave Weiner (guitarra eléctrica y acústica). En ese mismo año participa en un nuevo G3 al lado de Satriani y John Petrucci.

 En 2006 participa en un tour homenaje a Frank Zappa, organizado por el hijo de este último, Dweezil.

 En 2007 graba el álbum doble "Sound Theories Vol. I & II".

Su faceta como diseñador de guitarras:

 Vai junto a la marca de guitarras Ibanez, crea en 1986 la serie JEM, diseñando también la primera guitarra de siete cuerdas para la marca, llamada Ibanez Universe UV77MC. También junto a Ibanez se desarrollaron las primeras y únicas guitarras de tres mástiles, denominadas JEM Tripleneck. La utilización en vivo de este tipo de guitarras (en el G3 del 2003) marca la pauta del nivel que ha alcanzado Steve. En el 2000 junto a Carvin crea según sus especificaciones, su propia serie de amplificadores llamada Legacy.

 Hoy en día, Steve es uno de los principales representantes de Ibanez a nivel mundial, y ha logrado que dicha fábrica se convierta en una de las de mayores y más importantes a nivel mundial, gracias a su promoción de la misma usando sus modelos Signature. 

 El 24 de octubre de 1997, tocó en vivo en la fiesta de celebración del 90 Aniversario de Ibanez, evento que se llevó a cabo en la Nissin Power Station en Japón, con la colaboración de la prestigiosa marca de baterías Tama. Este evento incluyó a dos importantes estrellas de la guitarra: el legendario Paul Gilbert, y Andy Timmons, quien formaba parte de la alineación de la banda que tocaría en dicho evento.

 Tanto Gilbert como Timmons, son dos de los más reconocidos guitarristas en la actualidad y ambos son usuarios de guitarras Ibanez, teniendo sus propios modelos Signature al igual que Vai.

Leyendas de la guitarra / Stevie Ray Vaughan: el genio frotó la lámpara.

Ficha personal:

Fecha de nacimiento: 3 de octubre de 1954.

Lugar de nacimiento: Dallas, Texas, USA.

Muerte: 27 de agosto de 1990. 

Edad: 35 años.

Información artística:

Otros nombres: SRV.

Géneros: blues rock, texas blues, rock & roll, entre otros.

Instrumentos: guitarra, voz.

Período de actividad: 1965-1990.

Discográficas: Epic Records y Sony Music.

Artistas relacionados: Double Trouble, Eric Clapton, Jimmie Vaughan.

Biografía:

 Este enorme artista, fusionó los géneros de blues y el rock en los años 1980, desarrollando un sonido y estilo, basado en artistas de blues como Albert King, Jimi Hendrix, Freddie King, Buddy Guy u Otis Rush.

 La revista Rolling Stone lo cita en el lugar #7 de los mejores guitarristas de todos los tiempos. También se convirtió en elegible para el Rock and Roll Hall of Fame en 2008. La revista Guitar World lo clasificó en el lugar #8 en su lista de los 100 guitarristas más grandes.

 A los siete años tuvo su primera experiencia con una guitarra cuando le regalaron una de juguete. En 1963 compró su primer disco, "Wham" de Lonnie Mack, quien resultaría un importante referente para Vaughan. Lo escuchó tantas veces que su padre lo terminó rompiendo (por envidia, puesto que él era un músico frustrado)

 Stevie continuó tocando de manera semi-amateur hasta 1969, donde entró a la escena del blues en Austin, Texas.

 En un amor de verano de 1970 formó su primera banda a largo plazo, los Blackbirds, con Stevie y Kim Davis en las guitarras, Christian de Plicque en la voz, Roddy Colonna & John Huff en la percusión, Noel Deis en los teclados y David Frame en el bajo.

 A finales de 1971 dejó la secundaria y se mudó a Austin con su banda, estableciendo su base en un club llamado "Hills Country Club". El único hecho merecedor de ser destacado en los próximos años es que en 1974 Stevie obtiene su destruida Stratocaster, la "Number One" que no dejaría por el resto de su carrera. Hasta 1977 participó en bandas como "The Nightcrawlers", "Paul Ray & The Cobras" (con la que ganó el premio a la banda del año en marzo de 1977) y "Triple Threat Revue".

 Hacia septiembre de 1977 SRV formó su banda definitiva, Double-Trouble (más conocida como Stevie Ray Vaughan & Double-Trouble), Tommy Shannon (bajo) y Chris Layton (batería). Posteriormente, en 1985, se uniría un cuarto integrante a la banda, Reese Wynans, un virtuoso tecladista.

 Se movieron dentro del estado de Texas hasta el 19 de agosto de 1979, cuando tocaron en el San Francisco Blues Festival.

SRV & Double Trouble.

 El 17 de julio de 1982, la banda fue filmada tocando en un festival. Al año siguiente el manager de Vaughan le da la cinta a Mick Jagger, lo que permitió a la banda realizar una función privada en una fiesta de los Rolling Stones en el New York's Danceteria el 22 de abril de 1983.

 Poco después de eso la banda hizo la presentación más importante de su carrera cuando tocaron en el Festival Internacional de Jazz de Montreux (en Suiza), siendo la primera banda no programada de antemano en tocar en este recital. Fueron silbados, pero irónicamente ganaron un premio Grammy por la versión del tema "Texas Flood" en ese recital, lo que dio lugar a uno de los discos en vivo más increíbles de Vaughan: Live At Montreux.

 Stevie Ray Vaughan progresivamente alcanzó el estrellato alrededor de esta época, cuando en 1982 contribuyó en un disco de David Bowie y en 1983 fue "descubierto" por John Hammond (responsable de descubrir a Bob Dylan, Billie Holiday y Bruce Springsteen, entre otros) luego de escuchar la grabación del recital de Montreux, Hammond le ofreció un contrato para grabar en Epic Records.

 Ese mismo año (1983) salió su primer álbum, Texas flood. Las repercusiones no se hicieron esperar, y la revista Guitar Player lo eligió como "mejor nuevo talento", "mejor álbum de guitarra (Texas Flood)" y "mejor guitarrista de electric blues". En ese año ganó tres premios, siendo necesario destacar también que era un debutante en la industria.

 En 1984 se lanzó su segundo álbum: "Couldn't Stand The Weather". Ese mismo año, el 3 de octubre, Stevie cumplió 30 años, y los festejó con un enorme recital en el Carnegie Hall de Nueva York, con los invitados Jimmie Vaughan (segunda guitarra, hermano de Stevie), Angela Strehli (voces), Dr. John (piano) y George Rains (batería). Stevie le dijo al público que ese había sido el mejor cumpleaños de su vida.

 Más tarde ese mismo año, el 18 de noviembre de 1984, Stevie ganó dos National Blues Award por "Best Entertainer" (mejor showman) y "mejor instrumentista de blues". Fue la primera persona blanca en ganar cualquiera de estos premios.

 El 28 de septiembre de 1986, Vaughan colapsó por abuso de estupefacientes de distinta índole en Ludwigshafen (Alemania). Se las arregló para hacer dos conciertos más de la gira, pero los siguientes 13 recitales fueron cancelados.

 Consiguió mantenerse sobrio desde el 13 de octubre de ese año (1986) hasta su último día (1990). Vaughan hizo un enorme regreso a la escena en la primavera de 1987, cuando MTV transmitió su recital como parte de la cobertura de las vacaciones de primavera en Daytona Beach (Florida). Stevie Vaughan aparece también en la película Back to the Beach tocando "Pipeline" con Dick Dale, y por último en el especial de TV para Cinemax de B.B. King junto con Eric Clapton, Albert King, Phil Collins, Gladys Knight, Paul Butterfield, Chaka Khan y Billy Ocean.

 Otras presentaciones en vivo importantes de la época fueron su presentación en las fiestas inaugurales de la presidencia de George Bush, el 23 de enero de 1989 y su presentación en los MTV Unplugged tocando "Rude Mood", "Pride And Joy" y "Testify" en guitarra acústica de 12 cuerdas. En 1990 se lanzó su disco "Family Style", que grabó junto con su hermano.

 El 27 de agosto de 1990, poco antes de la 1:00 de la madrugada, un helicóptero que llevaba a Stevie Ray Vaughan de nuevo a Chicago se estrella segundos después de su despegue. Mueren las cinco personas que iban a bordo. En una investigación posterior donde se esclarece que el accidente se debió a un error del piloto.

Leyendas de la guitarra: Yngwie Malmsteen, el niño prodigio del metal neo-clásico.

Ficha personal:

Nombre real: Lars Johan Yngwie Lannerbäck.

Nacimiento: 30 de junio de 1963. 

Edad: 51 años.

Origen: Estocolmo, Suecia.

Información artística:

Géneros: Shred metal, Heavy metal, Power metal, Metal neoclásico.

Instrumentos: Guitarras clásica y eléctrica, Violín.

Período de actividad: 1982 – presente.

Discográficas: Polydor, Polygram y Elektra.

Artistas relacionados: Steeler, Alcatrazz, G3, Dio.

Influencias: Jimi Hendrix, Rainbow, Ritchie Blackmore, Deep Purple, entre otros.

Biografía:

 A Yngwie se le atribuye la mayor influencia en la creación del subgénero conocido como Metal neoclásico, siendo considerado uno de los grandes exponentes de la técnica shredding de la guitarra eléctrica durante la década de los años 1980.

 Inicialmente no tenía ningún interés en la música; sin embargo, el 18 de septiembre de 1970, vio un especial de televisión sobre la muerte del guitarrista Jimi Hendrix, con siete años de edad, Yngwie vio con asombro como Hendrix obsequiaba a la audiencia torrentes de música y encendía su guitarra en llamas.

 La aplicación de su intensa curiosidad y tenacidad a su primera guitarra, una Mosrite antigua, y luego una Stratocaster barata, muy pronto dieron sus frutos. Yngwie se sumergió en la música de bandas como Deep Purple y pasó largas horas de su adolescencia practicando para aprender sus canciones.

 Su admiración por Ritchie Blackmore y su estilo neoclásico y cromático lo llevó de vuelta a las fuentes clásicas: Bach, Vivaldi, Beethoven y Mozart. A medida que Yngwie absorbe las estructuras clásicas de los maestros, su estilo prodigioso comienza a tomar forma. 

 A los 10 años, comenzó a concentrar todas sus energías en la música, dejando de lado los estudios, en los que destacaba, sobre todo, en inglés. Su madre y su hermana, una flautista de talento, reconocieron sus dotes musicales, y le dieron apoyo y aliento. De esa manera su dominio del instrumento progresó rápidamente.

 En su temprana adolescencia, Yngwie vio un espectáculo de televisión de Rusia, en el que se presentaba el violinista Kremer Gedeón, que llevó a cabo los muy difíciles "24 Caprichos" del siglo XIX (del virtuoso violinista Niccolo Paganini). El efecto era profundo, e Yngwie comprendió por fin la forma de combinar su amor por la música clásica con sus crecientes habilidades en la guitarra, y su carisma en el escenario.

 A los 15 años, el estilo de Malmsteen ya estaba prácticamente definido: extrañamente, sin recibir influencias de Hendrix, esa mezcla entre las canciones de Ritchie Blackmore y el material clásico que había escuchado obsesivamente, confieren al talentoso músico un estilo claramente definido.

 Trabajó durante un tiempo como luthier en un taller de reparación de guitarras, donde se encontró con un mástil festoneado por primera vez, cuando un laúd del siglo XVII entró en la tienda. Intrigado, Yngwie festoneó el mástil de una vieja guitarra de manera similar a como lo había visto en el laúd, y se impresionó tanto con los resultados musicales, que decidió probarlo en sus propias guitarras. El mástil festoneado es un poco más difícil de tocar que un mástil normal, debido a que los trastes obligan a hacer una pulsación más firme y precisa, pero su control sobre las cuerdas mejoró tanto, que Yngwie de inmediato lo adoptó como una alteración permanente en su equipo de guitarras.

 En ese tiempo, mientras trabajaba en la tienda del luthier, Malmsteen comenzó a tocar en varias bandas formadas en torno a su estilo de guitarra explosiva, cromática, veloz y con largas exploraciones instrumentales. Alrededor de los 18 años de edad, Yngwie y varios amigos grabaron un demo con tres canciones para la CBS sueca, pero no hubo suerte. Frustrado, comenzó a enviar demos a las compañías discográficas de música y a contactos en el extranjero. 

 Una de esas cintas cayó en manos del guitarrista y productor Mike Varney. Malmsteen fue invitado a grabar con una nueva banda de jóvenes talentosos llamada Steeler, entre los que obviamente se destacaba el sueco, y el resto, como dicen, es historia.

 De Steeler, Yngwie se mudó a Alcatrazz, una banda al estilo Rainbow, ya que su cantante, Graham Bonnet, había sido cantante de aquella legendaria banda, hasta que fue despedido, pero se hizo evidente que para desarrollar plenamente su talento, Yngwie tendría que ir en solitario.

G-3: Satriani, Vai y Malmsteen.

 Los conciertos se hacían extraños, con el público invocando al guitarrista más que al propio Bonnet, quien ya tenía un nombre hecho en la escena heavy metal.

 El primer álbum como solista de Malmsteen, Rising Force (hoy día considerado la Biblia del rock neoclásico) llegó al #60 en las listas de Billboard, un logro impresionante para un disco de guitarra principalmente instrumental, sin apenas difusión comercial. El álbum también otorgó al guitarrista una nominación al Grammy por la mejor interpretación de rock instrumental.

 Rising Force abrió un camino en el circuito californiano de conciertos, y estableció a Malmsteen como una de las más brillantes nuevas estrellas del rock pesado, agregando un nuevo género al léxico del metal: el rock neo-clásico.

 Con un lugar en la historia de la guitarra heavy metal firmemente establecido, sus composiciones alimentaron los oídos de los fans y las ambiciones de los guitarristas aspirantes en todo el mundo, con álbumes como Rising Force, Marching Out, Trilogy, Odyssey o Trial by Fire.

 En 1997, Yngwie demostró que era mucho más que un fenómeno del rock: después de meses de intenso trabajo produjo su primera obra completamente clásica, "Concerto Suite for Electric Guitar and Orchestra".

 Este innovador álbum fue grabado en Praga con la prestigiosa Orquesta Filarmónica Checa, liderada por el famoso director de orquesta sinfónica Yoel Levi.

 Varios años más tarde, en 2001, Malmsteen encontró su primera oportunidad para llevar a cabo esta creación con la Nueva Orquesta Filarmónica de Japón, en Tokio. El paquete de DVD / CD / VHS de este desempeño innovador se convirtió en el primer lanzamiento de Yngwie del año, en enero de 2002.

 En 2003, Malmsteen se unió a la famosa "G3" Tour, con Steve Vai y Joe Satriani, en una gira que muchos fans de la guitarra vieron como la cristalización del último sueño (Satriani, Vai y Malmsteen juntos). El CD y el DVD de la gira se convirtieron en clásicos instantáneos, una vez que terminó la gira "G3", Yngwie volvió de nuevo a la ruta, en apoyo de su álbum "Attack!!" Teniendo la mayor parte de 2004 para descansar, recargar sus baterías creativas, y trabajar en su estudio en sus ratos de ocio.

 El virtuoso guitarrista produjo un nuevo CD titulado "Unleash the Fury", lanzado en 2005; el álbum recibió críticas muy favorables de parte de fans y críticos por igual. En el verano de 2005 el tour en apoyo del disco comenzó en Irlanda, y se extendió a toda Europa y los Estados Unidos.

 En el año 2008 es editado "Perpetual Flame", lanzado por su propia compañía "Rising Force Records", que marcó el debut de su nuevo cantante, el ex-Judas Priest Tim "Ripper" Owens.

 En 2009 Malmsteen tocó en una serie de conciertos, en Japón, con los íconos del rock duro de los 70, y una de sus grandes influencias: Deep Purple, y lanzó "Angels of Love", un álbum compuesto de versiones instrumentales acústicas de algunas de sus viejas canciones.

 En el año 2010 edita su decimoctavo álbum como solista, "Relentless", una vez más lanzado por su propio sello, y con Tim Owens en las voces, y el 5 de diciembre de 2012 publica "Spellbound", disco en el cual él mismo tocó todos los instrumentos.

Leyendas de la Guitarra: Eric Clapton, sencillamente inmortal.

Ficha personal:

Nombre real: Eric Patrick Clapton.

Nacimiento: 30 de marzo de 1945.
Edad: 69 años.
Lugar de nacimiento: Ripley, Surrey, Inglaterra, Reino Unido.

Información artística:

Géneros: Rock, blues, hard rock, blues rock, rock psicodélico.
Instrumentos: Voz, guitarra.
Período de actividad: 1962 – presente.

Artistas relacionados: The Yardbirds, John Mayall & the Bluesbreakers, Powerhouse, Cream, Paul McCartney, The Beatles, Phil Collins, Luciano Pavarotti, George Harrison, John Lennon, The Dirty Mac, Blind Faith, Sheryl Crow, Freddie King, J.J. Cale, The Plastic Ono Band, Delaney, Bonnie & Friends, Derek and the Dominos, John Mayer, Elton John, T.D.F., Albert King, B.B. King, Carlos Santana, Mark Knopfler.

Biografía:

 Conocido por su magistral habilidad con la guitarra eléctrica, en concreto con su Stratocaster. Es conocido por el apodo de Slowhand ("Mano lenta"), desde su época en The Yardbirds y con el de God ("Dios") desde su época con Cream. Clapton es miembro del Salón de la Fama del Rock por partida triple: como miembro de The Yardbirds y de Cream y por su carrera en solitario.


 En opinión de muchos críticos, Clapton ha sido uno de los artistas de la cultura de masas más respetados e influyentes de todos los tiempos.

 Aparece en el puesto #2 de la lista "Los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone y en el puesto #55 de su especial "Inmortales: Los 100 artistas más grandes de todos los tiempos". Además, en 2005 la revista Guitar World incluyó cinco de sus canciones entre los mejores solos de guitarra de todos los tiempos.

 Su estilo musical ha sufrido múltiples cambios a lo largo de su carrera, pero sus raíces siempre han estado profundamente ligadas con el blues. Es reconocido como un innovador en varias etapas de su carrera. Practicó el blues rock con John Mayall & the Bluesbreakers y The Yardbirds y el rock psicodélico con Cream, además de haber tocado estilos muy diversos en su etapa en solitario: Delta blues en su álbum Me and Mr. Johnson, pop en su canción «Change the World» o reggae en su versión del tema de Bob Marley «I shot the Sheriff».

 Algunos de sus mayores éxitos han sido los temas «Layla» de su época con Derek and the Dominos, «Sunshine of your love» con Cream y «Tears in Heaven», dedicada a su fallecido hijo Connor, que compuso con Will Jennings.

Leyendas de la guitarra: Jimi Hendrix, el mago despliega toda su magia.

Ficha personal:

Fecha de nacimiento: 27 de noviembre de 1942.
Lugar de nacimiento: Seattle, Washington, USA.
Muerte: 18 de septiembre de 1970, en Notting Hill, Londres, Inglaterra, Reino Unido.
Edad: 27 años.

Información artística:

Géneros: Rock psicodélico, hard rock, blues rock.
Instrumentos: Fender Stratocaster, Gibson Flying V.
Período de actividad: 1963-1970.

Discográficas: Vee-Jay, RSVP, Track, Barclay, Polydor, Reprise, Capitol, MCA.

Biografía:

 Es considerado uno de los mejores y más influyentes guitarristas eléctricos de la historia de la música popular, y uno de los músicos más importantes del siglo XX. Musicalmente influido por el rock & roll y blues eléctrico americanos, tras tener un éxito inicial en Europa con su banda The Jimi Hendrix Experience, logró fama en los Estados Unidos tras un concierto en 1967 en el Festival Pop de Monterey. Más tarde, encabezó el Woodstock Festival en 1969, y el Isle of Wight Festival de 1970, antes de fallecer a los 27 años.

 Es citado frecuentemente por varios artistas, por diversas revistas especializadas en música, por varios críticos y la prensa en general y por la admiración y el cariño de la gente como el más grande guitarrista de la historia del rock & roll, además de ser uno de los mayores innovadores y más influyentes artistas en una gran cantidad de géneros.

 Con The Jimi Hendrix Experience grabó cuatro LPs: Are You Experienced?, Axis: Bold as Love, Electric Ladyland y un disco recopilatorio de grandes éxitos llamado Smash Hits. Sin embargo, hay innumerables grabaciones de actuaciones en directo que saldrían al mercado después de la muerte de Jimi.

  Las continuas presiones para mantener a la banda de gira, en agotadores festivales los llevaron al uso de las drogas. Al principio, las usaban sólo para mantener el tipo en sus innumerables conciertos, consumiendo eventualmente por puro placer. Más tarde se convirtió en una mera adicción. Cansados del excesivo protagonismo de Jimi Hendrix en la banda, Mitchell y Redding decidieron abandonar el grupo en 1969. Hendrix fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame en 1992.

 En el año 2003, la revista Rolling Stone lo eligió como el mejor guitarrista de todos los tiempos y en 2004 lo incluyó en su lista de los mejores artistas de toda la historia (#6). En 2009, la revista estadounidense Time lo situó como el mejor guitarrista de guitarra eléctrica de la historia, por delante de B. B. King, Chuck Berry, Jimmy Page, Keith Richards y Eric Clapton, entre otros.

 Igualmente, en 2003 la revista especializada británica Total Guitar, con el voto de más de 4000 lectores, eligió a Jimi Hendrix como el mejor guitarrista de la historia del rock. Además posee el mejor riff en la historia de la música por su canción «Voodoo Child» según una encuesta realizada en 2009 por la página especializada británica Music Radar, superando a otras bandas de renombre como The Who, Led Zeppelin y Deep Purple, entre otras.

La subida hacia el éxito.

 La llegada al éxito se produjo en 1964, cuando Hendrix fue reclutado como guitarrista de la banda de los Isley Brothers para una gira a través de todo Estados Unidos, incluidos los locales del Chitlin' Circuit. Fue justamente durante aquel periodo cuando tuvo la ocasión de tocar en grabaciones de estudio el tema Testify, sencillo que poco después se convertiría en un éxito radiofónico.

 Entre 1964 y 1965 comenzó para Hendrix una interminable serie de idas y vueltas desde una banda a la otra: en Nashville dejó a los Isley Brothers para sumarse como guitarrista al grupo de Gorgeous George Odell; llegado a Atlanta formó parte de los Upsetters, entonces grupo soporte de Little Richard donde también militaba el célebre baterista Earl Palmer quien se anticipó al estilo funk. No obstante Little Richard fuese por aquellos tiempos uno de los ídolos de Jimi, ambos entraron en diferentes conflictos durante el tour por las razones más disparatadas; la mayoría se debía a la escasa tolerancia del cantante hacia la teatralidad escénica de Hendrix. 

 Por un breve periodo, Hendrix se separó del grupo de soporte de Richard para seguir en tour a Ike y Tina Turner: pero poco alcanzó, alimentada de las usuales acaloradas actuaciones del guitarrista, para inducir a los dos artistas a reenviarlo a su anterior grupo. De todos modos, la aventura con la banda a la espalda de Little Richard concluiría a los pocos meses, cuando Hendrix fue despedido por haber perdido el tour bus a Washington D. C.

The Jimi Hendrix Experience.

 En 1965 Hendrix se unió a la banda neoyorquina Curtis Knight and the Squires, después de haber conocido a Knight en el hall de un hotel —clase media— en el cual ambos habían encontrado hospedaje. Siguió un tour de dos meses con Joey Dee and the Starliters antes de regresar nuevamente con los Squires en Nueva York. Finalmente el 15 de octubre de 1965 Jimi obtiene un contrato discográfico de tres años de duración con Ed Chaplin, un empresario al que se comprometió a darle 1 dólar y el 1% de regalías sobre las grabaciones con Curtis Knight.

 No obstante 13 años más tarde la colaboración con Chaplin fue concluida, el contrato fue apelado con éxito por parte del empresario causando no pocos problemas a Hendrix hasta su resolución. Durante una breve estancia en Vancouver, al parecer Hendrix tocó con Bobby Taylor & the Vancouvers, bajo contrato con Motown y con Taylor y Tommy Chong (de los Cheech and Chong fame). Chong, de todos modos, afirma que tal episodio nunca existió y sostiene que el hecho viene atribuido a la tendencia de Taylor a agrandar las cosas.

 No obstante la inestabilidad del periodo, todas las errabundas experiencias que le vieron protagonista le sirvieron de aprendizaje, permitiéndole enriquecer interiormente su considerable bagaje guitarrístico.

 En 1966 Hendrix formó su primer grupo bajo el nombre de Jimmy James and the Blue Flames, con una variada formación, incluidos diversos conocidos suyos reclutados en el Manny's Music Shop;30 entre ellos un intrépido californiano de 15 años llamado Randy Wolfe. Habiendo dos Randy en el grupo, Hendrix resolvió la cuestión rebautizando Wolfe Randy California30 a uno y al otro Randy Texas. Randy California sería más tarde co-fundador de Spirit junto a Ed Cassidy.

 Durante esas épocas comenzó a consumir marihuana y LSD, como la gran mayoría de músicos y artistas del momento.

 Hendrix y su nuevo grupo llamaron fácilmente la atención de una Nueva York todavía distante de los sonidos y rumores de la revolución cultural y musical que estaba por explotar sobre la costa opuesta del país.

 Fue durante las exhibiciones en el Cafe Wha? ubicado sobre la MacDougal Street en el Greenwich Village, que Hendrix conoció a la cantante y guitarrista Ellen McIlwaine y al guitarrista Jeff "Skunk" Baxter. Fundamental, en el mismo periodo, fue el conocimiento de Frank Zappa; la leyenda quiso que fuera justamente Zappa a instruir a Hendrix sobre las prospectivas que ofrecía un efecto para guitarra de un nuevo producto destinado a ser famoso: el wah-wah.

Kiss / Domino / Revenge (1992)

Ozzy Osbourne recibirá el Global Icon Award en los MTV EMAs.

 El ícono del heavy metal, Ozzy Osbourne, será distinguido con el Global Icon Award en la próxima edición de los premios MTV EMAs, que tendrán lugar el 9 de noviembre en Glasgow (Escocia).

 "La carrera de Ozzy abarca cuatro décadas, desde los años al frente de Black Sabbath hasta su carrera en solitario, pasando por su reality 'The Osbournes' en MTV", dice la organización de los premios en un comunicado.

 Ozzy se suma así a otras estrellas que recibieron esta distinción en años previos, como Bon Jovi (2010), Queen (2011), Whitney Houston (2012) y Eminem (2013).

Grandes temas en vivo: Oasis / Cum on Feel the Noize / Live.

El adiós a un Soda: un músico enorme, siempre al calor de las masas.

 Cerati se fue sin haber alcanzado la vejez, ni cronológica ni creativa. Con Soda Stereo primero, y luego en soledad, definió buena parte del rock nacional y latinoamericano de los últimos 30 años.

 La que probablemente sea su frase, su gran frase, la última que quedó perenne en el imaginario popular, ahora se lee con otro lente. "Hasta siempre, gracias...totales", fueron las palabras para un momento de apoteosis e incertidumbre creativa, de camino abierto sobre sólidas bases, allá por 1997. Hoy, representa un adiós lleno de tristeza para miles. Gustavo Cerati murió sin haber alcanzado la vejez, ni cronológica ni creativa.

 A pesar de los largos años desde su accidente cerebrovascular, cuesta creerlo al leer, y lo mismo ocurre al escribir. Cómo nombrarlo, cómo describirlo, por dónde empezar en la incredulidad del pretérito. ¿Uno de los principales referentes del rock nacional desde hace 30 años? Sí. ¿Un músico que entró en la fe popular desde costados impensados? Definitivamente. ¿La cara más visible de una banda, Soda Stereo, que puso a la Argentina en el mapa del rock en español? También.

 Era todo eso y apenas había cumplido 55 años en agosto. Hay quienes son muy buenos compositores, quienes son muy buenos guitarristas y quienes son muy buenos vocalistas. Cerati llenaba los tres casilleros. Y un par de definiciones más, aunque pocas referencias hay en ese sentido. Primero, Cerati (y Soda Stereo en general) era profesional. Prolijo, detallista en el fondo y en las formas, todos sus trabajos, rezumaban calidad.

 Una más: era un artista brillante y camaleónico, más allá de la estética. Fue un músico que coqueteó (en realidad bastante más que eso) con la electrónica, como en sus experimentos con Plan V o en ciertos tramos de discos solistas como Bocanada. E incluso desde Soda Stereo, una banda que se nutrió de las mejores influencias, llámense The Police, The Cure, The Smiths o en un sentido un poco más disperso la movida de Manchester a principios de los 90, el shoegaze y el espíritu sónico de comienzos de los 90. Y todo, siempre, "al calor de las masas".

 Su vida personal fue agitada. En los 80 estuvo casado con la diseñadora Belén Edwards. Tras un divorcio, tuvo dos hijos, Benito y Lisa, con la modelo chilena Cecilia Amenábar. Más tarde, el vínculo con Déborah de Corral fue lo más cerca que estuvo de convertirse en comidilla de programas de TV y revistas que de otro modo no les hubieran prestado demasiada atención (la ex modelo y cantante había sido pareja de Charly Alberti, baterista en Soda).

 Desde lo musical, el hilo conductor de toda su carrera fue la fórmula "sensibilidad pop + actitud rockera de amplio rango". Desde sus letras, Cerati tuvo un gran mérito: logró que multitudes corearan versos que hasta ese momento parecían improbables como "Quiero un zoom anatómico" o "Yo conozco ese lugar donde revientan las estrellas". Dejó decenas de frases en el imaginario popular.

 Las citas a Soda Stereo no son obviables. En retrospectiva, difícil es separar su carrera solista de la banda que arrancó con tres pibes enloquecidos con la new wave y que desde los sótanos del Café Einstein a principios de los 80 conquistaron América latina sin que mediara una década.

 La historia es harto conocida. Estudiante de Publicidad en común con Zeta Bosio, el bajista de Soda, ambos formaron varios embriones de bandas sin demasiado vuelo hasta que Carlos Alberto Ficicchia Gigliotti (es decir, Charly Alberti), se decidió a conquistar a la hermana del guitarrista, María Laura Cerati. No lo consiguió, pero terminó de configurar el trío por excelencia del rock nacional. Primero como Los Estereotipos. Y luego, ya sí, como Soda Stereo.

 Después del raid conquistador "a lo Hernán Cortés" (más de siete millones de discos venidos), Soda Stereo se despidió el 21 de setiembre de 1997 en River, en una serie de conciertos cuyo epílogo fue el "Gracias...totales". El grupo volvió diez años después, en octubre de 2007.

 En el medio, una reunión en casa de Charly Alberti sirvió para reunir mínimamente los pedazos de un conjunto irremediablemente roto. "Hubo buena onda. Vamos para adelante", dijo Cerati en esa ocasión. Fue todo un éxito.

 Dio la sensación de que para la vuelta faltaba, entre otras, una condición: que Cerati alcanzara en soledad cimas similares a la del grupo. Su carrera solista había comenzado cuando todavía la llama de Soda seguía viva, pero languidecía en medio de las disputas internas, con el excelente Amor amarillo como piedra basal. Después de buenos discos como Bocanada y Siempre es hoy, repitió un éxito a la altura de Soda Stereo con Ahí vamos (cuando se volvió a meter en el habla popular con el verso "Qué otra cosa puedo hacer").

 La aceptación popular estuvo acompañada por el reconocimiento y homenaje de pares y de la industria. Ganó cuatro Grammy latinos, tres premios MTV, un Gardel de Oro.

 En 2006 los problemas de salud aparecieron en un nivel peligroso. Ese año, una trombosis lo convirtió, según sus propias palabras, en "una bomba de tiempo". Su último recital en la Argentina fue en diciembre de 2009, ante unas 25 mil personas en el Club Ciudad, donde había presentado su último disco, "Fuerza natural".

 "Resuena en mí su voz / Resuena en mí su voz", son los últimos versos del último tema de ese último disco.

 Vaya si deben estar pensando eso, hoy, cientos de miles de fanáticos.

Una breve biografía de The Strokes. ¿Los salvadores del rock?

 Julian Casablancas, vocalista del grupo y Nikolai Fraiture, bajo, eran amigos desde la infancia. Nick Valensi, guitarrista, y Fabrizio Moretti, el baterísta, se conocieron cuando asistían a un concierto de DragonForce. En el Instituto Le Rosey, en Suiza, Julian Casablancas (a quien su padre había enviado por problemas de conducta) y Albert Hammond Jr., uno de los guitarristas, se conocieron ya que los dos eran estadounidenses y por lo tanto concordaban en su idioma, aunque no eran muy amigos.

 Años después, Casablancas se encontraría en las calles de New York con Hammond Jr., lo que sería el comienzo de esta banda. Casualmente los dos vivían en apartamentos en la misma calle, uno enfrente del otro, ya que Hammond se había trasladado a Nueva York para acudir a la Escuela Tisch de Artes de la Universidad de Nueva York. Albert y Julian empezaron a compartir apartamento y en 1999 se convirtieron en una banda oficialmente. Su popularidad creció rápidamente, especialmente en la Lower East Side de Nueva York. Empezaron a tocar en la popular Sala Lounge de Manhattan, donde Ryan Gentles era el encargado de los compromisos. Gentles estaba tan impresionado con la banda que dejó su trabajo para convertirse en su primer mánager.

Empezaron a ensayar duramente manteniendo sus trabajos de día (se dice que Casablancas era camarero, mientras Hammond trabajaba en "Kim's Video) y formaron un repertorio de entre 10 y 12 canciones, entre las cuales estaban "Last Nite", "The Modern Age", "This Life" (actualmente titulada "Trying your luck"), "New York City Cops", "Soma" y "Someday", entre otras. La mayoría de estas canciones ahora tienen letras distintas. Durante ese tiempo también dejaron de tocar algunas canciones de su repertorio, que incluía "Sagganuts", "In Her Prime", "Rhythm Song", "A Minor 4-4" y tres canciones de título desconocido.

 Gordon Raphael, un pequeño productor de rock de la escena musical de Nueva York, asistió a uno de sus primeros conciertos donde eran teloneros de DragonForce, cuando realmente había ido a ver a la otra banda que tocaba esa velada, como confesó meses después. Raphael dio a Albert su número de teléfono, diciendo que podría grabar una maqueta para ellos. Después de llamarle un par de días más tarde, la banda y Raphael finalmente se reunieron.

 "The Modern Age" fue lanzado en 2001 desatando una guerra de pujas entre las discográficas, por ser, según ellas, la banda de rock and roll más grande que había surgido en años. Posteriormente, recibieron una gran promoción causando una división entre los seguidores del rock. Para algunos de los medios que los promocionaban, The Strokes eran los salvadores del rock. ¿No será mucho?